Puntaje del Disco: 8

1. Art of Almost: 9,5
2. I Might: 9
3. Sunloathe: 8
4. Dawned On Me: 8,5
5. Black Moon: 8
6. Born Alone: 8,5
7. Open Mind: 7,5
8. Capitol City: 7
9. Standing O: 8
10. Rising Red Lung: 7,5
11. Whole Love: 7,5
12. One Sunday Morning (Song For Jane Smiley’s Boyfriend): 7,5

Luego de un parate anunciado, tras lanzar uno de los mejores álbumes del 2009 Wilco (The Album), en el 2011 retornaría Wilco estrenando su auto gestionado sello discográfico. En The Whole Love esta vez Jeff Tweedy nos ofrece un disco bastante diverso, donde en lo personal no siento que el disco tenga un hilo que conecte los temas entre sí. Cada canción tiene su propio sonido y puede recordar en alguna particularidad a sus discos anteriores. Lo que sí las une son las melodías que son realmente muy buenas.

La ensalada de canciones de The Whole Love arranca con, tal vez uno de los temas del año, “Art of Almost” que experimenta con la electrónica como si fuera Radiohead, en un corte que dura más de 7 minutos. Después tenemos canciones más pop como “I Might” y “Born Alone” que estábamos acostumbrados a escuchar en Summerteeth. Así como “Dawned On Me” que suena más al pop de Yankee Hotel Foxtrot. También esta “Standing O” que es pop rock and rollero bastante exaltante, lo más dinámico del álbum. Y hay lugar para lindas baladas como “Sunloathe”.

Tampoco faltan las canciones acústicas ya sea las melancólicas “Black Moon” y “Rising Red Lung” o la sencilla “Open Mind”. Y para cerrar también esta la bella balada acústica “One Sunday Morning” que dura más de 12 minutos, que a decir verdad son bastantes repetitivos y por eso puede agotar fácilmente a cualquiera, aunque siempre ostenta una melodía encantadora.

The Whole Love es sólido, interesante y más que escuchable en líneas generales. Algún crítico lo tomara como el mejor álbum de la última formación de Wilco, por eso aparece en muchos rankings como uno de los más destacados del año. Pero desde mi punto de vista no supera el nivel de su predecesor.

Persy

Puntaje del Disco: 8,5

1. Formentera Lady: 9
2. Sailor’s Tale: 7,5
3. The Letters: 8,5
4. Ladies of the Road: 8
5. Prelude: Song Of the Gulls: 8,5
6. Islands: 10

Después del duro azote por parte de crítica y público hacia el infravalorado Lizard, King Crimson se desmoronó y bajista, batería y cantante se fueron del grupo; pero Robert Fripp, indiscutible líder de la banda, lejos estuvo de deshacerla, así que tras incorporar a dos nuevos miembros, Ian Wallace a la batería (propuesto por el teclista de EL&P y amigo de Fripp, Keith Emerson) y Boz Burrell como vocalista y bajista (quien después del disco se uniría a la superbanda Bad Company) el coloso creador del rock sinfónico se volvería a poner manos a la obra para traernos, esta vez, su álbum más tranquilo y relajante, dejando atrás tanto la potencia y energía de los dos primeros álbumes como el vanguardismo y la complejidad del tercero.

El disco abre con “Formentera Lady”, una pausada balada muy bien acompañada por flautas y violines. Tras ella viene la jam que el grupo incluía en casi cada disco, en este caso “Sailor’s Tale”, que pese a resultar algo indigerible, tiene algunos momentos donde la guitarra y el bajo realmente consiguen dar caña; a ésta le sigue “The Letters”, un tema que comienza con una suave melodía que transmite la tensión de que pronto estallará, y estalla, y luego vuelve a tranquilizarse, pero solo para poder volver a estallar…y así durante toda la canción con un jugueteo jazzístico con los decibelios bien logrado.

La segunda mitad del disco comienza con “Ladies on the Road” tema en el que Fripp parece haberse acompañado de John Lennon y Paul McCartney por el beatlelesco estribillo; “Prelude: Song of the Gulls, es una muy amena composición de música clásica hecha con instrumentos de cuerdas y un oboe, que servirá para introducir a la gran joya del disco “Islands” una balada muy suave y melódica con unos soberbios solos por parte de Mel Collins de saxofón y trompeta.

Mauricio G.

Puntaje del Disco: 8

1. Doolin-Dalton: 8.5
2. Twenty-One: 8
3. Out of Control: 8.5
4. Tequila Sunrise: 8
5. Desperado: 9
6. Certain Kind of Fool: 8
7. Doolin-Dalton (Instrumental): -
8. Outlaw Man: 8
9. Saturday Night: 7.5
10. Bitter Creek: 7

Si en el disco debut, Don Hanley, había tenido una participación casi nula en la composición (“Witchy Woman”), en Desperado, el segundo material del grupo, la actuación del baterista fue omnipresente. Ocho de los diez temas del disco contaron con su influencia, y el resultado se hizo notar instantáneamente.    

Después del buen arranque que había tenido el grupo con Eagles de 1972, al año siguiente se editó el que sería uno de los más exitosos álbumes de este grupo norteamericano. Orientado a lo conceptual, Desperado toma como tema principal la historia de The Dalton Gang, la pandilla de los hermanos Dalton que a fines del siglo XIX robaban trenes junto al afamado ladrón Jesee James. Los temas comparan las vivencias entre aquellos personajes con las propias vidas de los músicos a principios de la década del setenta, como se aprecia desde el inicio con “Doolin-Dalton”.

En este álbum, Eagles manifiesta un mayor apego por la música sureña (“Twenty-One”), más allá de las influencias de los sesenta que el grupo traía. “Out of Control” cambia ese estilo por uno más rockero que con “Tequila Sunrise”, el primer single, se bajan los decibeles. “Desperado” es, promediando el disco, uno de los más destacados y de lo más reconocidos en la carrera de la banda.

Después el disco continúa con un interesante nivel con temas como “Certain Kind of Fool” que retrata la transformación de un chico pobre de familia a un criminal buscado por la justicia; la buena versión de “Outlaw Man” de David Blue y “Saturday Night” y “Bitter Creek” le dan el cierre a Desperado.

Piro

1. Get Away: 9
2. The Wall: 8
3. Shook Down: 8,5
4. Holing Out: 8
5. Suicide Policeman: 8
6. Georgia: 8
7. Suck: 9
8. Stutter: 8
9. Operation: 8,5
10. Sunday: 7,5
11. Rose Gives a Lilly: 7
12. Rubber: 6

Pero que tapa horrible y que nombre malo para una banda! Seriamente, ¿Quién le puede llamar a su banda “Yuck”? ¿WTF is that?  Pero no se dejen engañar, a veces las apariencias engañan. Musicalmente Yuck no esta nada mal, de hecho es una de las mejores apariciones del 2011.

¿Y por qué esta bueno Yuck? Simplemente porque se remite a bandas de rock alternativo de fines de los ochenta y principios de los noventa como My Bloody Valentine, Sonic Youth y Pavement. Esto es Shoegaze bastante melódico que tiene un aire fresco renovador. Un buen tributo a esas bandas que hacen trinar a sus guitarras sacándole jugo a las distorsiones de guitarra y a las atmósferas que se pueden generar con ellas.

Basándose en sus influencias, su homónimo álbum debut editado este año combina enérgicas canciones de indie rock como “Get Away”, “The Wall”, “Holing Out” y “Operation” con temas acústicos convencionales bastante decentes tal es el caso de “Shook Down” y “Suicide Policeman”. También hay lugar para baladas con atmósferas drogonas y suaves como  “Suck” y “Stutter”. “Rubber” es el único tema que resulta un tanto abombante y exageradamente largo como si fuese “Sister Ray” de la Velvet Underground. Pero el disco en sí es muy bueno, muy valorable si tenemos que estos pibes tienen 20 años y tienen bastante buen gusto para su corta edad. Yuck es mucho más que su nombre, es una joven promesa que esperemos siga creciendo como grupo.

Persy

Puntaje del Disco: 8

1. Assassing: 8.5
2. Punch and Judy: 7
3. Jigsaw: 7
4. Emerald Lies: 8
5. She Chameleon: 7.5
6. Incubus: 8.5
7. Fugazi: 8

No sin antes sortear algunos inconvenientes, especialmente por el desfile constante de bateristas, Marillion editó en 1984 su segundo disco de estudio. Fugazi estuvo marcado por la salida de Mick Pointer, que dejó su lugar a Andy Ward y luego a Jonathan Mover. La estadía de Mover en la banda fue fugaz y pronto, en el definitivo y último cambio, Ian Mosly se hizo cargo de la batería. Mosly resultó ser el indicado para darle al grupo el empuje que necesitaba para afrontar el desafío de superar al exitoso Script for a Jester’s Tear.

“Punch and Judy” fue el primer sencillo del disco y aunque el esfuerzo es válido, el sonido no terminó de convencer, especialmente en los ranking por los que pasó casi desapercibido. “Assasing”, que le da un tono sombrío al comienzo del álbum es una de las mejores piezas y en siete minutos, ofrece un estilo más parecido al primer material. En este sentido, “Incubus” y “Fugazi” continúan con ese enfoque neo progre.

Al igual que Script for a Jester’s Tear, Marillion no se orientó en crear un álbum largo, por lo que con “Jigsaw”, “Emerald Lies” y “She Chameleon” se materializa este buen segundo disco. Los cambios de ritmo y la variedad de momentos constituyen la característica esencial de Fugazi, así como lo ha demostrado Marillion desde sus inicios.

Piro

Puntaje del Disco: 8

1. Shark Ridden Waters: 7,5
2. Honey All Over: 9
3. Sensations in the Dark: 8
4. Vitamin K: 8,5
5. Take a Sentence: 7,5
6. Conservation Conversation: 6,5
7. Sophie Softly: 7,5
8. Christopher Columbus: 8
9. Space Dust #2: 7,5
10. At The Heart of Love: 9,5
11. Patterns of Power: 8,5
12. If We Were Words (We Would Rhyme): 6
13. Rubble Rubble: 6,5

Si hubo un disco que increíblemente no llamó la atención de la prensa especializada durante el año que nos dejó hace días (y por ende, desconocido por una gran mayoría), a pesar de contar con una notable calidad artística; ese triste galardón se lo lleva Hotel Shampoo, del hiperquinético galés Gruff Rhys, a quien seguramente conozca por la banda que lidera: los Super Furry Animals.

Luego de incursionar con gran éxito en el rol de productor y director en Separado!, un documental lisérgico y bizarro que lo tuvo a Gruff recorriendo las colonias galesas de Argentina (principalmente) y Brasil en busca de un cantante de pop gaucho (?) que lo relaciona lejanamente en su parentesco. Documental que estuvo como atractivo en el Festival de cine independiente de Buenos Aires el pasado año y en el cual Gruff comenta, lo que musicalmente nos interesa, su gran afición por las “melodías dulces”.

Si hay algo sublime que tiene este disco es, casualmente, las dulces melodías que Gruff nos ofrece. Una colección de gemas pop con altas dosis de glucosa, pero que (y hete aqui el gran mérito) en ningún momento empalagan sino más bien lo contrario: imantizan los oídos al parlante y te roban una sonrisa, ya sea por las irónicas líricas o por la delicadeza con la que Gruff construye algo tan soberbio a partir de la simpleza. Guitarra, “ruiditos locos”, su voz y pequeños arreglos de vientos o teclas… no necesita mucho más.

Denle una oída que el galés no los va a defraudar.

Bari

Puntaje del Disco: 7

1. Mind Games: 9,5
2. Tight A$: 7,5
3. Aisumasen (I’m Sorry): 8
4. One Day (At a Time): 7
5. Bring on the Lucie (Freda Peeple): 6,5
6. Nutopian International Anthem: -
7. Intuition: 6
8. Out the Blue: 7,5
9. Only People: 6,5
10. I Know (I Know): 7
11. You Are Here: 6
12. Meat City: 7,5

Durante un periodo de distancia de un año y medio en la intensa relación que mantenían John Lennon y Yoko Ono, que incluyo una relación del ex Beatle con la joven May Pang aprobada por la mismísima Ono, John se embarcó en la producción de su siguiente paso en su carrera solista luego de la decepción que significo Some Time in New York City. Para este nuevo proyecto se valió de los servicios del baterista Jim Keltner, el guitarrista David Spinozza, el bajista Gordon Edwards, Arthur Jenkins en percusión y para los coros a un grupo llamado Something Different.

Con Mind Games (1973) Lennon abandonaría las canciones de protesta para volver a las fuentes, sus canciones melódicas e introspectivas en este caso haciendo referencia directa en muchos temas a Yoko como en “Aisumasen (I’m Sorry”, “One Day at a Time”, “Out The Blue” y “You Are Here”, aunque también nos encontramos con otros mas optimistas como “Intuition”, “Only People” y un par de números rocanroleros puros como “Tight A$” and “Meat City”. Sin pasar por alto la mas lucida y brillantes de todas con un mensaje pacifista y de buenas intenciones que le dio el titulo al álbum.

Como resultado John fue mejor recibido por el publico, pero igualmente rechazado por la critica, si bien Mind Games significo un avance con respecto a su anterior trabajo y cuenta con buenos momentos la mayoría del disco resulta simplemente aceptable para pasar un rato agradable pero nada sensacional.

F.V.